lunes, 2 de marzo de 2015

Concierto de Percusión: Compositores españoles

La siguiente actividad de nuestro Proyecto Elxxi es el concierto de percusión que ofrecerá el profesor del conservatorio Óscar Martí en el salón de actos el 10 de marzo a las 18.30h.

El programa de concierto estará formado íntegramente por compositores españoles. La música en España, y más concretamente la percusión, tienen un desarrollo tardío debido a los acontecimientos históricos que llevan al país a una época oscura. Tenemos que irnos a 1967 para saber de la primera obra escrita para instrumentos de percusión, Floreal de Tomás Marco. Otros compositores como Luis de Pablo, Carlos Cruz de Castro, Joan Guinjoan o Agustín Bertomeu siguieron la senda empezada por Marco. 

Como hemos apuntado en entradas anteriores, una de nuestras tareas como profesores es la de acercar la música actual a nuestros alumnos, y qué mejor que conocer a los compositores, poder entablar contacto con ellos, y poder conocer de primera sus opiniones sobre su música su música. 

Esto es lo que he planteado en este concierto, cuatro compositores actuales con diferentes formas de entender la música y diferentes maneras de acercarla al público.


José M. Sánchez-Verdú: Arquitecturas de la sombra (2005)

Nacido en 1968,  inició su formación musical en España (Composición, Dirección de Orquesta y Coro y Musicología en el RCSM de Madrid) y la continuó en Italia (Accademia Chigiana) y Alemania (Musikhochschule de Frankfurt), además de en nuemrosos cursos europeos (París, La Haya, Donaueschingen, Darmstadt, etc.). Ha recibido numeros premios destacando el como el Premio Nacional de Música en España en 2003. En 2014/15 es Artist in residence en Villa Concordia, Bamberg (Ministerio de Cultura de Baviera). En la temporada 2014/15 ha sido nombrado Compositor en residencia del Centro Nacional de Difusión Musical en España. 
Un lugar destacado en el aspecto constructivo de la música de Sánchez -Verdú, y de la constitución en el interior de su catálogo de ‘ciclos’ de obras relacionadas por ma­teriales o preocupaciones comunes, ocupan sus diversas Arquitecturas, que ya desde el título anuncian su dimensión estructural. 
 
En Arquitecturas de la sombra, es la marimba, que por dos ocasiones presenta un material escalístico ascendente, en la primera ocasión guiando la escucha hacia la aparición de los crótalos –con la construcción de un entramado de personajes sonoros definidos para cada instrumento (notas aisladas, repeetidas, simultáneas)– y cobrando mayor extensión y relieve dinámico en la segunda, que acoge intervenciones aisladas del resto de la plantilla y se abre hacia el registro agudo para desembocar finalmente en una nueva restricción del marco de alturas (tercera menor) y en la afirmación ‘brutale’ –pero con matiz “fff” sólo intencional– de la nota germinal Do.
Estracto: Música del límite por Germán Can Quesada.





Jesús Torres: Tiento (1997)

Jesús Torres nace en Zaragoza el 15 de julio de 1965, de ascendencia andaluza. Desde los diez años reside en Madrid. Procedente de una familia de larga tradición musical, estudia el violín con José Torres y Armonía con Adelino Barrio. En el Conservatorio Superior de Música de Madrid realiza su formación académica, estudiando Contrapunto con Francisco Calés y Análisis Musical con Luis de Pablo. Entre 1986 y 1988 trabaja la Composición con Francisco Guerrero.
Su catálogo ronda las setenta composiciones con obras orquestales –nueve – y de cámara de muy diferentes formaciones instrumentales. Entre sus intereses más queridos está la musicalización de textos, destacando su constante relación con la poesía de Vicente Aleixandre, además de  San Juan de la Cruz, Rubén Darío, Juan Eduardo Cirlot o Leopoldo Panero, entre otros.
Ha sido galardonado con diversos premios: SGAE (Madrid 1992), Gaudeamus Prize (Amsterdam 1995), Valentino Bucchi (Roma 1997), Reina Sofía (Barcelona 1999), Millennium Chamber Players (Chicago 2008) o el Premio Nacional de Música 2012.   
Como otras obras a solo - Preludios para piano, Itzal para acordeón, Épodo para saxo tenor - el tratamiento instrumental se mueve entre la expresión, íntima, y el virtuosismo extremo. 
 
Con una estructura fragmentaria, tan usual en mi música, en Tiento el flujo sonoro se derrama de un instrumento a otro a una velocidad vertiginosa. Hay procedimientos del vibráfono poco usuales: el empleo del pedal siempre presionado, en tejidos contrapuntísticos y en pianísimo, apagando determinadas alturas con las baquetas lo que genera tenues transformaciones armónicas; o el uso de sonidos armónicos. 





El material repetitivo que recorre toda la obra es el desarrollo de una idea rítmica inicial impuesta por el empleo de los dos instrumentos a la vez: uno de ellos inicia un ostinato mientras el otro evoluciona libremente. Esto dará lugar posteriormente a múltiples elaboraciones tanto a dúo como a solo.










Isabel Urrutia Rasines: Mandala (2009)

Nació en Algorta, Bizkaia, en 1967.

Realizó estudios de composición, de piano y de pedagogía musicl en el Conservatorio Superior de Música de Bilbao. Acabó sus estudios superiores de composición en el Conservatorio Superior de Música de Madrid. Posteriormente continuó su formación con los profesores Francisco Escudero y José Luis Campana.
Fue profesora de armonía, análisis, contrapunto y composición en el Centro de Estudios Musicales “Juan Antxieta” de Bilbao. Posteriormente enseñó armonía, análisis y fundamentos de composición en el Conservatorio de Música de Bilbao. Actualmente es profesora de armonía, contrapunto y técnicas de composición en “Musikene”, Centro Superior de Música del País Vasco.
En el año 2007 ganó el concurso de composición organizado por la A.E.O.S., Asociación Española de Orquestas Sinfónicas, con su obra “Gerok” para orquesta
En el año 2012 ganó el Primer Premio en el Concurso Internacional de Composición “Grazyna Bacewicz” de Lödz, Polonia, con su obra “Haizearen nahiak”, concierto para clarinete en sib y orquesta de cuerdas.  

Mandala para multipercusión y transformaciones electrónicas sobre CD fue estrenada en 2009 por Jean Geoffroy

La obra consta de tres diferentes movimientos:

En el primero se presentan los diferentes timbres del set de multipercusión. La idea principal es el tratamiento del sonido en el espacio.
En el segundo movimiento el parámetro principal es el timbre. Se usan diferentes articulaciones y formas de tocar los instrumentos del set gracias a la utilización de diversas baquetas y muy especialmente, gracias a diferentes formas de tocar con las manos. ( Por ello, la utilización de diferentes grafías que expresan las formas de tocar).

En el último movimiento el parámetro principal es el movimiento musical. Se utilizan diferentes ritmos sacados del folklore vasco.
El movimiento empieza lento, con los bastones o claves que se tocan en vertical contra las superficies de los tambores, recordando la forma de tocar la txalaparta, instrumento del folklore vasco.
Y poco a poco, el movimiento se va acelerando, hasta acabar en una parte final muy rápida y virtuosa.
Como excepción al final, escucharemos un instrumento con alturas determinadas, aunque de sabor también extraeuropeo, la kalimba.


José Manuel López-López: La Céleste (2004)

La música de José Manuel López López se caracteriza por una inmediata seducción unida a una interioridad, ambas procedentes de un lenguaje personal de una gran modernidad incesantemente renovada.
Tras su formación con grandes músicos – debuta en Madrid donde realiza estudios de Piano, Composición y Dirección de orquesta, y donde fue alumno de García Abril y de Luis de Pablo, después realiza estudios en el extranjero, Luigi Nono, Franco Donatoni, y Roger Cochini en el GMEB Grupo de Música Experimental de Bourges antes de realizar en Aviñon los cursos de análisis  y composición con Olivier Messiaen y  Pierre Boulez –, elabora un lenguaje personal integrando la electrónica e informática musical gracias a los cursos que realiza con Horacio Vaggione en la Universidad Paris 8, y con Tristán Murail en el Ircam. Es titular de un DEA  “Música y musicología del  siglo XX” en la EHESS Escuela de Altos Estudios en Ciencias Sociales de París.
En 2000, el Estado Español le concede el Premio Nacional de Música. En 2004 es Profesor invitado de la Cátedra Manuel de Falla en Cádiz, y  entre (2005-2008)-(2011-2012) ejerce como  catedrático de composición en el  Conservatorio Superior de Música de Zaragoza. Entre 2008 y 2011 es Director Artístico  del Auditorio Nacional de Música de Madrid.
En 2012 recibe de la SACEM el premio de la Fundación Francis y Mica Salabert por su obra Metro Vox In memoriam Iannis Xenakis. En 2013 recibe el Premio René Dumesnil concedido por la Academia Francesa de Bellas Artes.
En la actualidad es profesor asociado y Director del Taller de Composición de la Universidad Paris 8 y profesor de composición del Conservatorio Edgard Varèse (CRD de Gennevilliers-Francia).

Para vibráfono, percusión, electrónica y video. Imágenes de Pascal Auger. Estrenada en Paris, en el Foro de las Imágenes, Festival NEMO, el 9 de marzo de 2004. La creación de La Céleste está inspirada en Las ciudades invisibles de Italo Calvino. Le città invisibili fue publicada por primera vez en 1972 y alcanzó, como afirma María José Calvo Montoro, una posición esencial en la creación literaria italiana contemporánea.

La Céleste es una pieza visual y sonora de unos quince minutos de duración en la que se suceden de manera alternada secuencias de diversa tipología que podrían dividirse en dos bloques fundamentales: estos bloques muestran por un lado y en primera persona, el tránsito de un personaje a través de una ciudad. En esta sección el sonido proviene mayoritarFlorealiamente del propio paisaje sonoro que circunda al personaje –sus pasos, su respiración, el ambiente nocturno en el que se desenvuelve la acción–; por otro, la re-creación poético-visual de esa misma ciudad a través de distintos procedimientos digitales sobre el reflejo del mismo entramado urbano. En esta segunda sección, surge la música de José Manuel López López, basada en dos piezas anteriores:
Cálculo secreto (1993), para vibráfono, y Movimientos (1998), doble concierto para piano y orquesta. Ambas partituras se vieron modificadas sensiblemente, aunque fue la primera de ellas la que sufrió una alteración más evidente, por la adición de otro instrumento percusivo, cuya línea se proyecta como transición entre bloques en un momento más avanzado del video.

Estas dos secciones fundamentales muestran obviamente la ciudad de Venecia, de donde proviene el histórico mercader Marco Polo, personaje principal en la novela de Calvino, que describe al sire Kublai Khan cada noche y de manera muy detallada las ciudades de su imperio, que no son otra cosa que recreaciones de la propia ciudad de los canales.

El juego de reverberaciones visuales, en las que la ciudad-símbolo alcanza una vasta significación conceptual, y su conjugación sonora, admiten un amplio arco de posibilidades analíticas que tienen en el texto de Calvino una referencia semántica precisa. Estas vías hermenéuticas, que integran el análisis visual y sonoro de la pieza, observan además el imaginario de la metrópoli contemporánea en este caso definido por la presencia constante e ineludible de una arquitectura estilísticamente alejada de la actualidad, que alude a un pasado asumido de forma natural en la memoria, vinculada sin embargo a la identidad del individuo que observa y vive, imagina y construye su personal sintaxis urbana, en un cruce de lo visible y lo invisible, como afirmaría Jean-Luc Marion.
Estracto: Creación en los pliegues de la ciudad invisible: Síntesis sonora y visual en La Céleste (2004),de Pascal Auger y José Manuel López López. Pedro Ordóñez Eslava







http://conservatorielx.edu.gva.es/esp/eventos/239/concierto-la-musica-para-percusion-en-espana-oscar-marti-percusion/

jueves, 12 de febrero de 2015

Concierto del Grupo de Percusión

El pasado 30 de enero el Grupo de percusión del conservatorio participó en el VII Festival de Percusión de Ontinyent celebrado en el Teatro Echegaray. 


Fiel a nuestro estilo, preparamos un programa acorde con nuestro Proyecto ElXXI donde interpretamos obras de autores españoles de la vanguardia actual como Juanjo Guillem y Andrés Valero-Castells, y de uno de los compositores más importantes del siglo XX, Igor Stravinsky.

Para nosotros es muy importante resaltar que como profesores e intérpretes debemos acercar la música actual y en concreto la música compuesta en nuestro país, a nuestros alumnos, y a través de ellos al público en general.

El grupo estuvo compuesto por: Andrea Alborch Martínez, Carlos Cañizares Asencio, Rafael Ballester Barceló, María Berenguer Prieto, Damián Magallón Ferrández, Andrés Soler Campa y David Portugués Pastor. Además, contamos con la colaboración de Eli Parreño Soler como narradora.

La primera obra fue Desarreglo, del percusionista Juanjo Guillem, actual timbal solo de la Orquesta Nacional de España, que es uno de los grandes impulsores de la percusión en España. Además de director del grupo Neopercusión, ha estrenado numerosas composiciones para percusión y es profesor en el Centro Superior de Música Katarina Gurska de Madrid. Elegir su partitura no fue tarea fácil debido a su dificultad pero encajaba perfectamente en el perfil de nuestro proyecto. Desarreglo es como dice su nombe, un desarreglo de la famosa canción Autumn Leaves del compositor húngaro-francés Joseph Kosma. En ella pudimos explorar diferentes recursos tímbricos de las láminas, parches y metales (bidón, chapa tormenta, tai gong, ópera gong), con sus múltiples posibilidades de ataque y sus sorprendentes efectos sonoros.



La siguiente obra que interpretamos fue la Marcha del soldado de L´Histoire du soldat de Igor stravinsky con arreglo de Murray Houllif y adaptación del texto a cargo de Óscar Martí. Compuesta en 1917 a partir de un texto de Charles Ferdinand Ramuz, está basada en un cuento popular ruso. No se puede hablar de la percusión en el siglo XX sin mencionar esta magnífica obra que significó la primera vez que un percusionista adquiría el papel de solista y además tocaba diferentes instrumentos en la misma partitura.




Y la tercera obra fue Burrrundi (versión para 8 percusionistas) del compositor valenciano Andrés Valero-Castells, profesor de composición en el Conservatorio Superior de Música "Joaquín Rodrigo" de Valencia. Es ganador de numerosos premios nacionales e internacionales, sus obras son asiduas en programas de orquestas sinfónicas, bandas de música, grupos de cámara, etc. Su obra Burrrundi nos ha fascinado completamente, basada, en palabras del propio compositor, en la fuerza rítmica de las danzas del grupo africano "The Drummers of Burundi". El grupo se divide en dos partes como las dos etnias rivales (Hutus y Tutsis). Los dos grupos entrarán en una batalla rítmica con grandes ostinatos de carácter ancestral.



Andrés Valero será nuestro compositor invitado de la 1ª edición del Proyecto ELXXI dedicándole un concierto monográfico el próximo 9 de junio en Elche.

Por último, quiero agradecer el recibimiento que tuvimos por parte de los anfitriones, Sonia Antón y Pep Soler, profesores de percusión del Conservatorio de Ontinyent. Y citaros para el próximo 31 de marzo donde contaremos con la visita del grupo de percusión de Ontinyent.

Grabaciones: Estudi Audiovisual Rafa Ballester http://www.estudioaudiovisualrb.com

Óscar Martí, profesor de percusión del CPM de Elche.

domingo, 1 de febrero de 2015

La flauta solista en el siglo XX

El pasado martes 27 de enero ofrecí un concierto en el Conservatorio Profesional de Música de Elche basado en la música escrita para flauta sola durante la segunda mitad del siglo XX.

Estoy muy satisfecha de la acogida del público, me sentí muy arropada y disfruté, tanto hablando como tocando, para vosotros/as.

Interpreté cuatro obras muy diferentes entre sí, para dar a entender la diversidad estilística que caracteriza a toda la música del siglo XX.

En primer lugar, interpreté una de las obras principales del repertorio flautístico contemporáneo: la Sequenza I para flauta sola (1958) del compositor italiano Luciano Berio (1925-2003).


Luciano Berio
 Esta obra forma parte de una serie de Sequenzas escrita cada una para un instrumento diferente, incluida la voz, donde el compositor explota al máximo las posibilidades sonoras y técnicas de cada uno de ellos.



A continuación interpreté Melisma furioso (1990) de Luis de Pablo (1930), una obra tremendamente difícil y extenuante, que pone a prueba no sólo la capacidad técnica, sino tambié física, del intérprete.



En claro contraste con estas dos obras, toqué Lipstick (1998) del compositor holandés Jacob ter Veldhuis. Es una obra escrita para flauta, flauta en sol y electrónica. Aquí la electrónica consiste en material grabado de talkshows americanos, entrevistas, etc. Todas esas voces producen ecos repetitivos que se reproducen en un equipo de música, también llamado boombox. Es por ello que a esta música se la conoce por Música Boombox.


Y para finalizar, representé Zungenspitzentanz (La Danza de la Punta de la Lengua) (1983) para piccolo solo, de Karlheinz Stockhausen. Es una obra escénica, donde el flautisa representa a un gato que gira en espiral, saluda a los hijos de Satán maullando y marca las horas con su flautín como si de una aguja de reloj se tratara. Todos estos movimientos coreográficos obligan al intérprete a tocar la obra de memoria. De hecho, es una condición obligatoria de Stockhausen para la interpretación de todas sus obras.

Girando en espiral
 Espero que lo pasárais tan bien como yo. Hice este proyecto con mucha ilusión y eso me da ánimos para continuar con todo lo que queda por venir este año 2015. No nos perdáis la pista!

En lo que quedó el concierto del Plural Ensemble

Aunque con un poco de retraso, quería dejar aquí constancia de lo que fue el concierto del Plural Ensemble del pasado mes de diciembre.
Por cuestiones legales, debo ocultar las caras de los/las alumnos/as menores de edad. Para los/las que estéis interesados/as en tener un recuerdo del evento, no dudéis en mandar un correo a: proyectoelxxi@gmail.com y os enviaré las fotos originales con mucho gusto.






Los/as alumnos/as de flauta y la profesora con Félix Renggli


Creo que todos/as disfrutamos mucho del concierto, donde pudimos escuchar a un ensemble profesional de música contemporánea que se destaca por su rigor y precisión en la interpretación del repertorio actual. Ante todo destacó el liderazgo y energía de Félix Renggli a la flauta y el virtuosismo de Carmen Domínguez al clarinete.

Fue una gran lección de música de cámara para nuestros/as jóvenes alumnos/as. Comprendéis ahora lo importante que es el gesto, la respiración conjunta, el contacto visual además de auditivo?

Durante el concierto pude ver caras de asombro, alegría, reflexión... Sólo por ello merece la pena seguir con este proyecto! Para algunos/as alumnos/as ésta era la primera ocasión en la que viajaban a Alicante o acudían a un auditorio como el ADDA... Algunas estaban tan emocionadas que casi se quedan dentro!;)


Antes de finalizar, quería destacar el magnífico comportamiento de los/as asistentes. Da gusto trabajar con vosotros/as porque nos lo ponéis muy fácil. Gracias!